Cineastas y artistas ha utilizado diversas técnicas de animación para presentar historias que por su contenido son capaces de provocar inquietud.
La animación ha estado presente en el cine desde sus inicios, por lo que en ocasiones suena chocante se considere una técnica exclusiva para películas infantiles. Si bien los estudios Disney dejaron esa impresión con tanta producción que han hecho, la cinematografía tiene numerosos ejemplos para demostrar que la animación es un recurso para expresar temas serios y maduros.
Algunos filmes mencionados parecen historias para todo público, pero debe subrayarse que TODAS incluyen temas y situaciones para adultos, por lo que no son aptas para menores de edad. Además se recomienda discreción en caso de que decidan ver alguna, puesto que algunas situaciones son explícitas (sin llegar a lo vulgar) pero que pueden transgredir o tocar sensiblemente al espectador.
MENCIONES HONORÍFICAS
Heavy Metal (1981)
Una violenta antología titulada como la revista de ciencia ficción. Su soundtrack incluye a Black Sabbath, Blue Öyster Cult, Sammy Hagar, Cheap Trick, DEVO, Journey, entre otros. ¡Un clásico en todo sentido!
"Alice" (1988)
Producida en la desaparecida Checoslovaquia, esta versión de "Alicia en el país de las maravillas" combina su única actriz con una delirante y a veces aterradora stop motion. El relato es una fantasía oscura y surrealista.
Monster House (2006)
Sus personajes fueron hechos con el proceso llamado performance capture, donde los actores (entre ellos Steve Buscemi, Jason Lee y Catherine O'Hara) estaban ligados a sensores que capturaban sus movimientos.
Coraline (2009)
Una de las más conocidas en el género. Combina universos paralelos, puertas secretas y siniestras madres con ojos de botón. Es un logro de la stop motion que llegó a requerir 450 personas para su realización.
La casa lobo (2018)
Desde Chile llega este tesoro, un drama con elementos de horror y surrealismo que utiliza el plano secuencia para no cortar la toma. Tan deslumbrante como perturbadora.
Mad God (2022)
El especialista en diseño de criaturas y stop motion, Phil Tippett, tardó 30 años en completar este proyecto de horror experimental. Cada cuadro es una pesadilla que no se puede dejar de ver.
1) "El planeta salvaje" (1973)
- Dirigida por René Laloux
TIWA (Con un bebé humano en las manos): ¿Por qué está haciendo ruido el bebé?
MASTER SINH: Depende. Podría estar asustado o tener hambre.
TIWA: ¡No podemos dejarlo aquí! Deja que me quede con él. ¡Por favor padre, yo lo cuidaré!
MASTER SINH: Muy bien Tiwa. No podemos dejar que muera este animal.
Tráiler de Estados Unidos
Una raza de humanos vive en el planeta Ygam, dominado por enormes alienígenas azules; los más afortunados sirven como mascotas, mientras los que viven al aire libre deben sobrevivir y ser considerados una plaga que debe exterminarse.
"Colonia de Oms"
Un clásico de la animación que aborda el racismo, la intolerancia, la esclavitud y el genocidio. Aunque son temas que hasta Disney ha arañado adaptándolos para toda la familia, "Fantastic Planet" es de las primeras en su tipo en hacerlo de manera más directa. Su producción fue un logro considerando que hasta 1973 sólo se habían hecho 10 películas animadas en Francia, por lo que la infraestructura para hacerla era muy poca.
Este mundo no tiene nada de mágico como sugiere su título en inglés; es una trampa mortal donde si un humano no sufre el desprecio de la raza "dominante", debe cuidarse de los demás e incluso pelear por su vida. El inquietante rostro inexpresivo de los habitantes de Ygam y verlos tratar a los humanos como juguetes o insectos, sacuden una historia con momentos llenos de arte en sus escenas por sus trazos, dibujos y criaturas asombrosas. Pero al darnos cuenta que todo es una alegoría sobre nosotros mismos, se vuelve más inquietante.
2) Kanashimi no Beradonna ("Belladonna of Sadness", 1973)
- Dirigida por Eiichi Yamamoto
EL DIABLO: Puedo darte todo lo que quieras. ¿Qué quieres hacer?
JEANNE: Quiero hacer cosas malas.
Tráiler original en japonés
Jeanne y Jean viven en la Francia medieval. Durante su noche de bodas, el señor feudal y su corte hacen válido el "derecho" de disponer de ella sexualmente. Un espíritu le ofrece poder a Jeanne y casi de inmediato su situación económica cambia, pero como es acusada de brujería, huye y termina pactando con el Diablo.
Es la entrega final de la trilogía Animerama, concebida por el dios del manga Osamu Tezuka, y que llevó la animación hacia nuevos rumbos; la completan "Las mil y una noches" (1969) y "Cleopatra" (1970).
Primero debe enfatizarse que su contenido es estrictamente para adultos porque dentro de la ambigüedad de sus sugerentes imágenes, las situaciones a las que hace referencia son obvias. Además de su fuerte carga erótica está llena de imágenes y música psicodélica, por lo que visual y artísticamente es toda una experiencia. El rostro de Jeanne resulta hipnótico, y ante las injusticias que sufre como ser humano, pero sobre todo como mujer, es imposible no ponerse de su lado.
Si se compara con las otras dos entregas de la trilogía veremos que su aspecto no es caricaturesco, más bien semeja cuadros hechos con acuarelas y su resultado es más experimental. No posee una técnica de animación como tal porque utiliza imágenes fijas que toman ritmo gracias a las voces y música. Ojo con el color del cabello de Jeanne, que indica su estado de ánimo.
Su estreno fracasó y terminó por mandar a la quiebra a su productora, que ya pasaba dificultades económicas. Con el tiempo no sólo adquirió estatus de culto, sino que ahora podría ser considerada como baluarte del verdadero feminismo. Es una trilogía ignorada, poco conocida y estudiada; "Belladona of Sadness" es arte que no necesita de un despliegue técnico para contar su poderosa historia.
3) "Hazel: El Príncipe de los Conejos" (1978)
- Dirigida por Martin Rosen
VIOLET (Sobre un tejón): Había acabado de matar, vi sangre en sus labios.
HAZEL: Tuvimos suerte. En caso contrario, quizás hubiese sido más rápido.
Tráiler
Frith es un joven conejo que tiene una visión donde ve cubrirse de sangre los campos donde vive su colonia. Su hermano mayor Hazel (voz de John Hurt) lidera el éxodo de sus compañeros hacia la colina Watership, donde iniciarán una nueva vida.
Está basada en la novela publicada por el inglés Richard Rosen en 1972. La mayoría de los lugares que se mencionan en ella y la película existen o están basados en sitios reales ubicados en Hampshire, Inglaterra y sus áreas aledañas.
Para 1978, la popularidad de las películas animadas de los estudios Disney sepultaba cualquier intento de competencia. Esta producción británica se destacó por triunfar en taquilla, apesar de la crudeza de su contenido. Si otros filmes mostraban animalitos cantando y mucho humor, en "Watership Down" domina la crueldad porque ese es su tema. En la vida real podemos ver un lindo conejito en el campo, pero olvidamos que debe cuidarse las espaldas a cada instante.
"Asediados"
Es realista, desesperanzadora y brutal a momentos; por su estilo y personajes es difícil de ver. Sin hacer spoiler, hay una escena de un conejo atrapado tan angustiante que al terminar uno sólo puede agradecer a Dios.
Cuando vemos los ojos de Frith, éstos despiden miedo y paranoia que lo ponen al borde de la locura. El individualismo queda mostrado porque los personajes están expuestos a un mundo donde sólo existe tristeza, desolación y muerte.
Narrativa y accidentalmente es una sufrida obra maestra, que en el aspecto técnico es muy convencional y los diálogos no están sincronizados con el movimiento de labios.
Entre 1999 y 2001 fue transmitida una serie animada canadiense, y en 2018 Netflix emitió otra hecha con CGI de cuatro episodios que recibió buenas reseñas y contó con un gran elenco, pero su tono violento es más moderado. Parece que la Gran N Roja tiene problemas con mostrar conejitos peleando a muerte y sangrando.
4) "Los perros de la plaga" (1982)
- Dirigida por Martin Rosen
ROWF (Hablando con Snitter): Me he estado preguntando cómo podría ser tener un amo, del tipo de los que tú hablas... Pero no hay ninguno, sólo nosotros. La oscuridad (la muerte) de la que Tod habló, está por todas partes. Puedo sentirla.
Tráiler
Rowf y Snitter son dos perros que se las ingenian para escapar del laboratorio donde son sometidos a crueles investigaciones. Ayudados por un zorro llamado Tod, se adaptan al estado salvaje mientras son buscados por los pobladores, que los consideran una amenaza, y sus captores quieren recuperarlos para ocultar el secreto que los propios perros ignoran.
Las frases publicitarias hacen creer que es una película para niños, cuando ni de broma es apta para ellos.
El director de "Watership Down" regresó cuatro años después (hasta John Hurt volvió a prestar su voz) para filmar otra animación basada de una obra de Richard Rozen que hace valer la frase "¡Con los perritos, no!". La única manera de compararlas es que si "Watership..." es cruel, "The Plague Dogs" es devastadora. Su escena de inicio es fuerte y brutal, tonos que perduran a lo largo de la trama.
"Vivir por los dientes"
Cuando Rowlf y Snitter escapan, su ansiada libertad se vuelve una lucha por sobrevivir en un lugar donde a nadie le importan. Aún con traumas, se ven obligados a convertirse en animales ferales deambulando por las montañas, volviéndose víctimas inocentes de las circunstancias que llegan a creer sólo la muerte podrá liberarlos.
Pero además deben enfrentar la irracionalidad humana nacida de reaccionar a la violencia con violencia, exacerbada por el sensacionalismo de la prensa. Sin embargo sueñan con encontrar un amo y con ese lugar que les promete una vida feliz aunque todo esté en su contra. A nosotros nos hace reflexionar sobre la crueldad animal, no sólo la emprendida "en el nombre de la ciencia", también en la que cometemos al olvidar que un animal sufre y siente.
El rescate de Snitter
Mis respetos al zorro Tod, personaje que inicia con un tono malicioso y termina robándose la película. La imagen con que cierra acaba por romper nuestro corazón que ya estaba sensible, fracturado por el viaje emocional. Pero al menos deja un diminuto, pequeñísimo rayito de esperanza que se mezcla con el sabor de las lágrimas."The Plague Dogs" haría llorar a Genghis Khan, y quien no se conmueva que vaya a checarse el pulso. Vayan a abrazar a su mascota.
5) Yōjū Toshi (Wicked City, 1987)
- Dirigida por Yoshiaki Kawajiri
Taki (Mientras Kanako lo seduce): Esta mujer es un demonio.
Tráiler (Subtitulado en inglés
La paz entre mortales y demonios está en riesgo. Las facciones del inframundo cruzan a nuestra dimensión para destruir el delicado equilibrio. Dos agentes, un humano y un demonio con apariencia de mujer, se unen para proteger a un personaje que firmará un tratado que evitará la guerra entre ambos mundos.
Se basa en "Wicked City: Black Guard", la primera novela de una saga escrita por Hideyuki Kikuchi; su director también creó "Vampire Hunter D", otro clásico del anime.
Si buscan meterse a un mundo brutal y oscuro entre colores neón (fue hecha en los 80s), "Wicked City" ofrece eso y más. Recuerdo haberla visto en lo más alto del exhibidor de un Blockbuster con una enorme etiqueta roja de "se recomienda discreción" y por buenos motivos: toma elementos de gore, horror, cyber punk e incluso hentai que pueden transgredir a su espectador.
Pero mejor concéntrense en la dirección de arte. Además de su tono oscuro, literal y metafóricamente, la narración de Taki, su protagonista, le da un toque noir, como si fuera la versión original de "Blade Runner" pero con escenas desagradables. Él lleva un estilo de vida "normal" pero de a poco se va metiendo en un mundo maligno, con criaturas que empleando grotesco body horror se transforman en seres monstruosos. No estoy muy seguro de su final cursi, pero sus elementos de horror funcionan.
6) "Francis, el detectigato" (1994)
- Dirigida por Michael Schaack
CLAUDANDUS: ¡No, no! ¡No hay personas buenas! Todas son malas, todas son iguales. Los animales somos buenas criaturas, pero los hombres son animales malvados.
Tráiler original alemán
El gato Francis y su dueño Gustav se mudan a un nuevo barrio y de inmediato el felino, acompañado por el duro y refunfuñón Barba Azul, se pone a investigar una serie de crueles crímenes sobre otros de su especie.
En su natal Alemania fue promocionada como lo que es: una cinta de animación para adultos, pero la campaña no fue eficiente y fracasó estrepitosamente.
"La pesadilla de Francis"
"Felidae" no está en el olvido, es considerada de culto apesar de su convencional estilo de animación. Como "The Plague Dogs", su trama aborda la experimentación en animales, pero podría catalogarse como un thriller criminal protagonizado por gatos en vez de humanos. Además de violencia presenta temas y situaciones para mayores: felinos destripados, decapitados, lenguaje ofensivo, cuadros del Kamasutra decorando paredes, disfunción eréctil gatuna, y escenas subidas de tono entre gatos donde uno sólo puede sonreír incomodamente y pensar "¡¿Qué diablos estoy viendo!?".
Todo eso puede dejar con el ojo cuadrado al espectador adulto porque, ¿quién está acostumbrado a ver momentos tan explícitos en una película de animación? Sólo se me viene a la mente la comedia "Sausage Party" (2016). Pero volviendo a lo que nos interesa, "Felidae" mantiene su misterio con buen nivel, giros inesperados y secuencias escalofriantes, como las pesadillas del heroico gatito.
En España y otros países fue nombrada "Francis, el detectigato"; si yo fuera padre de familia y la llevara a casa, los hijos que no tengo se quedarían con la boca abierta, y yo estaría en un gran problema con mi esposa imaginaria.
7) Pāfekuto Burū (Perfect Blue, 1998)
- Dirigida por Satoshi Kon
MIMARIN (Leyendo el monitor de su computadora): "¡Todos están forzándome a hacerlo (actuar)! ¡Todo es culpa del guionista! ¡Auxilio! ¡Auxilio! ¡Auxilio!". Esto no es cierto! ¡Yo no escribí nada de esto!
Tráiler
Mimarin deja la fama y éxito del trío musical pop al que pertenece para iniciar una carrera como actriz. La decisión obliga a que tome una actitud más madura, situación que afecta su comportamiento al grado de tener visiones y no poder distinguir la realidad de la ilusión.
Es la primera película como director de Satoshi Kon, quien realizó las aclamadas "Millennium Actress" (2001) y "Paprika" (2006).
Roger Corman dijo que si Alfred Hitchcock hiciera una película animada con los estudios Disney, este sería el resultado. "Perfect Blue" es un descenso surrealista a la locura y la ansiedad que establece el tono de los filmes de Satoshi Kon, donde se confunde la línea entre la fantasía y la realidad.
Mima vive una dualidad constante: es cantante inocente y actriz atrevida, tiene una vida privada y otra pública, se divide entre la realidad y delirio. La música y edición, a momentos frenética, crea un complejo y fascinante escenario lleno de delirio que llega a fascinar y romper al espectador.
"Acoso"
El título "Perfect Blue" suena irónico cuando vemos la debacle emocional de Mima. Perfección implica la presión de mantenerse en un nivel alto, no permitirse fracasar y llevar una vida impecable. La narrativa se desarrolla en torno a la salud y estabilidad emocional, llegando a un momento donde el villano de la historia termina siendo la propia Mimari. El filme se permite momentos atroces, perturbadores y sangrientos como los de un giallo pero sin los colores chillantes. Su influencia se siente en "The Black Swan" (Darren Aronofsky, 2010), donde Natalie Portman se exige la perfección.
8) Deadspace: Downfall (2008)
- Dirigida por Chuck Patton
ALISSA VINCENT: Carguen sus armas. Vamos a entrar a un mundo de mierda.
Tráiler
En el año 2508, la nave USG Ishimura transporta a la Tierra un obelisco que al parecer es el causante de que sus descubridores se aniquilaran entre ellos. Ahora la tripulación del navío debe luchar ante mutaciones de cadáveres reanimados, conocidos como Necromorphs.
Esta precuela del videojuego del mismo nombre sirve como secuela a una serie de cómics, publicados también en 2008.
Tiene una vibra que recuerda a "Alien" (1979), pero sin suspenso ni horror. Prefiere centrarse en la sangre y el gore, de ahí en fuera es una película entretenida, con feroces criaturas insectoides y cuerpos mutilados. Su brutal demostración de violencia queda manifiesta en dos escenas: la sangrienta secuencia del comedor y cuando los sobrevivientes se defienden usando unas motosierras láser.
También hay algunos cuestionamientos sobre la devoción y el fanatismo religioso combinados con la paranoia, pero también se habla de la fe. Sea uno seguidor o no del videojuego "Dead Space", esta historia merece verse.
Otra película basada en un juego para consola es "Dante's Inferno", la cual abordaremos cuando haya oportunidad de discutir sobre el hogar del Rey de las Tinieblas.
9) La casa (2022)
- Varios directores
JEN: Es hora de seguir.
ROSE: ¡¿A dónde?!
JEN: No sabemos. Debemos intentarlo. Dime, ¿qué es lo que quieres?
ROSE: (Suspira) ¡Arreglar esta casa! Hacer un hogar con buenos recuerdos para mí, pero lucho con este lugar hace muchos años.
JEN: No tengas miedo de ser alguien más.
ROSE: ¡Ay, por amor de Dios!
JEN: Trata de ver las cosas buenas que lograste. Ama tu pasado, pero sigue el viaje.
Tráiler
Película inglesa que reúne tres historias desarrolladas en una misma casa pero en diferentes momentos. Sus directores emplearon la stop motion para contar relatos donde la locura, la riqueza y la búsqueda de la felicidad quedan representados por los personajes que viven en esta particular construcción.
El año pasado hablamos sobre este filme que sorprendió a muchos al reunir terror psicológico, body horror, ironía y desesperación.
Cada relato tiene personajes diferentes: humanos, ratas y gatos; mientras los dos primeros ven al hogar convertirse en la residencia de sus pesadillas, los felinos (quizá por su asociación con lo místico) salen en el cuento más esperanzador. Las tres historias muestran la obsesión por los bienes materiales y cómo cambian a la persona, ya sea sintiendo ambición, mintiendo o, irónicamente, temiendo al cambio.
Momentos raros de "The House"
Netflix llegó a describirla como una comedia negra, que si bien tiene elementos de ella, en verdad son relatos con un toque de terror y diversos mensajes.
En su reparto de voces está la entonces poco conocida Mía Goth y la siempre estelar Helena Bonham Carter. El argentino Gustavo Santaolalla, compositor de la banda sonora de "The Last of Us", pone su sello en esta película, que debe verse por su estética y apreciarse por sus mensajes, mientras se experimenta incomodidad y angustia con sus personajes.
